Det lader til, at spørgsmålet er, hvordan man får den kortfilm, man laver, til at føles filmisk, ikke sammenligne film og tv-serier? Dette er et meget kort spørgsmål, men svaret kræver en omfattende filmkultur. Lad os i dag starte ganske enkelt fra instruktørens side.
Begrebet visuel enhed
Den såkaldte visuelle enhed er, hvordan man udtrykker manuskriptet skrevet med ord på skærmen.
Hvordan man opdeler manuskriptet til instruktionsenheder, konverterer instruktionsenhederne til visuelle enheder og til sidst omdanner de visuelle enheder til individuelle skud.
Når du læser et manuskript og læser en scene, kan du gøre det på hundrede måder, hvoraf ingen er absolut god eller helt rigtig, men der er kun én måde, hvordan man gør det, kun én måde, der bedst tjener historien behov for din film og afspejle din individuelle stil. (Der er kun én passende måde at præsentere historien på og afspejle din individuelle stil)
Jeg vil ikke udvide det her. I processen med prævisualisering er der to grundlæggende måder at skyde historier på.
Dækning vs. skud efter skudstil
Dækning betyder at skyde alle handlinger, dialoger osv. i en scene med forskellige vinkler og linser.
Shot by Shot Style betyder ikke standardiseret stil for optagelsen, hvor hvert skud er nøje planlagt. En scene er optaget fra en ude.
En simpel forståelse er, at når man forudvisualiserer en film uden en filmisk fornemmelse, vil instruktøren bare sige, hvordan man skyder en historie fuldstændigt, mens optagelserne af en film med en filmisk fornemmelse er omhyggeligt designet til at hjælpe med at fremme historien, og det eksisterer selvstændigt. betydning.
At være filmisk - komposition i fotografi
Hvis du lærer at optage og producere film, er et af de spørgsmål, som mange mennesker stiller i begyndelsen, "hvordan man får de ting, man optager, til at have en filmisk fornemmelse". Grunden til, at en film har en filmisk følelse, er ikke kun opfindsomhed inden for fotografering, men også inden for kunst, rekvisitter, linsesprogdesign, blokering og sekvensering (performance og bevægelse), Pre-visualazations (præ-visualisering) og lyddesign. Samarbejde kan give resultater.
(Den følgende artikel antager, at læserne har en vis grundlæggende viden om fotografering)
Det første spørgsmål, som folk ofte stiller på filmfora, er "hvordan får optagelsen til at se filmisk ud". Jeg føler, at det med hensyn til "filmfølelse" er nødvendigt at skelne mellem film i vestlig Hollywood-stil og nogle lavbudget mikrofilm.
Selvom de dyre effekter af Hollywood-film nogle gange er meget svære at kopiere med nogle billige midler, er der nogle grundlæggende enkle og gratis optagelsesidéer, der kan få din film til at ligne en "Hollywood-film" ("filmisk"). Uanset om det er et filmkamera eller et fladt kamera, vil det gøre dig anderledes end den almindelige fotograf.
Fra et fotografisk synspunkt vil jeg gerne opdele følgende filmskabende del i 5 elementer:
Indramning, objektivering, kamera- og kamerabevægelse, belysning, farve
Disse 5 aspekter er selvfølgelig ikke det eneste filmiske aspekt, men jeg tror, det er et af de grundlæggende kriterier, der adskiller film i Hollywood-stil fra hjemmevideo.
Fotografer lægger mange kræfter i at lære komposition, såsom ni-kvadratmetoden, det gyldne snit, diagonal komposition osv... Jeg vil ikke tale om det grundlæggende, men der er faktisk nogle områder i så mange kompositioner, som jeg synes er vigtigere for at skelne sansen for film.
Der er et par ting, du skal huske på, når du tager søgeren op ---
Rammestørrelse (billedets størrelse)
Når du kommunikerer med instruktøren i den tidlige fase af filmen, der skal optages, skal du afklare, hvilken størrelse skærm du vil optage. De populære størrelser er 1,33 : 1, almindeligvis kendt som 4 * 3, 1,78 : 1, også kendt som 16 * 9, 1,85 : 1 (det vil sige det såkaldte Academy, som er populært i de senere år, og navnet ændrer sig hvert år) eller 2,35 : 1 (widescreen) eller 2,40/2,39 : 1 (jeg kalder elektronisk widescreen, fordi de udsender 1920*800)
Hvilken størrelse man skal vælge, skal opfylde historiens narrative krav. Selvom mange mennesker tror, at widescreen er høj, men i mange narrative situationer er widescreen ikke kraftfuld. Hvis din historie har et stort cast og stor kunst, så vil en widescreen hjælpe dit omgivende udtryk. Hvis du vælger widescreen, og din film ikke har andet end hvide vægge, så vil det bredere skærmpublikum bare kede sig. Omvendt, hvis din historie er en meget intim romantik, eller hvis du optager et begrænset sted med en masse ting, du bliver nødt til at lægge fra skærmen, så er widescreen naturligvis ikke det bedste valg. Hvis højden på skuespillerne i din film er meget forskellig, er der gamle mennesker og børn... Ligesom 1.33, som var meget populær i de sidste par år, kan du i 1.66:1-billedet sagtens udtrykke nogle meget intime billeder uden være for skræmmende. Gå på kompromis på grund af rammestørrelse. Selvom nu 1.33 er blevet en "sans for tv-serier".
Valget af skærmstørrelse bør forhandles på de tidligste stadier af præproduktionen, selv før storyboardet. Ligesom filmen The Dark Knight (Batman, 2008) lavede de to versioner af imax og 2,35 sfærisk, men instruktøren besluttede at bryde traditionen og blandede de to størrelser af billeder. Dette dristige træk resulterede i et meget smukt resultat. Endnu en gang bekræftet "ingen teorem om at lave film"-teorien.
Opbygning af rammen
Nu har du rammen, men hvad skal du sætte i den? Tusindvis af artikler og tutorials lærer dig, hvad og hvor du skal placere på din skærm, men når du ser på film i Hollywood-stil og lavbudgetmikrofilm, er det "skærmdybden", der er vigtig i kompositionen. Hmm...hvad med kineserne, denne skærmdybde er ikke dybdeskarpheden, men en rækkevidde i Hollywood-film, hvor omgivelserne og miljøet i baggrunden bevidst er indstillet til, at skuespillere kan optræde. Mange mikrofilm blev optaget på meget små steder, såsom små værelser, små butikker og lignende. Tværtimod, Hollywood optager i et stort spillested, øh... Dette er faktisk produktionen (filmskalaen) af mennesker, der er rige og smukke, hvilket gør det svært for græsrødderne at efterligne, men der er nogle ting, der stadig kan øge skærmdybden af hængende silkemikrofilm.
En af de nemmeste og nemmeste måder at gøre dette på er ikke at placere dit motiv foran væggen. Ikke alene vil din lysmester være dig taknemmelig, men du vil også få bedre vinkler og dybde med det samme.
Den anden metode er at skyde mod hjørnet af væggen. Dette er et almindeligt simpelt trick, og at skyde mod diagonalen af et rum vil tilføje dybde til rummet. Flyt dit kamera til væggens diagonal, eller se i det mindste hjørnet af væggen, for at få din ramme til at se højere ud med det samme.
For det tredje, bring udsigten udefra ind i rummet. Hvis du skyder, hvor der er vinduer, skal du tilføje indendørs belysning, så alle kan se udenfor. Du kan endda tage et grønt skærmbillede og lade som om du er udenfor. Mange gange har nybegyndere en tendens til at kunne lide at spærre vinduet eller blæse ud af vinduet, men hvis du kan bringe landskabet uden for vinduet ind i billedet, vil du ofte opdage, at disse upåfaldende ydre scener i høj grad antyder miljøet, hvilket gør billedet åbne meget smukt og lade billedet Dybden øges dramatisk.
For det fjerde, hvis du optager udendørs, så prøv at tage nogle skelsættende bygninger for at lade publikum vide, hvor du er. Er du i marken, kan du sætte huset eller traktoren i baggrunden. Hvis du er i en by, så lad publikum se de tre gader bag skuespilleren. Disse baggrunde behøver ikke at være i fokus og kan være slørede, men disse elementer skal være der.
Til sidst vil jeg gerne tale om indvirkningen af dybdeskarphed på skærmen. Mange, mange mennesker tror fejlagtigt, at "stor blændeåbning og lav dybdeskarphed" er lig med "filmfølelse". Dybdeskarphed er kun et af de mange elementer, der udgør følelsen af en film. Det betyder ikke, at du åbner blænden helt op og "wow" filmfølelsen kommer frem. Hvis du virkelig er opmærksom, når du ser en film, så bruges lav dybdeskarphed normalt kun i to af følgende situationer i Hollywood-film:
Den første er, at hvis du skyder et halvbredt billede med en masse information, skal du rette dit publikums opmærksomhed mod noget vigtigt. Forestil dig, at der er omkring 20 gruppeoptrædener i en vejkantscafé, og så har du brug for, at publikum bemærker, at vores superhelt tager telefonen. På dette tidspunkt er vi nødt til at bruge en lav dybdeskarphed for at guide publikum "hvad de skal se".
Den anden brug af lav dybdeskarphed i Hollywood-film er, når du tager nærbilleder og mellemstore billeder. Lav dybdeskarphed kan hjælpe publikum med at fokusere på indholdet af dialogen.
Ud over de to ovenstående punkter har spillefilm allerede brugt mange penge på at få en filmlicens til et spillested, og de vil virkelig gerne optage dem alle sammen, så du kan se "Se, dette sted er fantastisk. Se, se, det kostede mange penge her." Så etablering af skud skal være dyb dybdeskarphed. Og dialogen mellem flere mennesker er også en dyb dybdeskarphed. Dyb dybdeskarphed vil få dine billeder til at se avancerede, større og mere omfattende ud. Mange mikrofilm ser klaustrofobiske ud, fordi dybden af feltet ikke er nok.
Derfor, når du ser en Hollywood blockbuster, så tænk over den og mærk den, og tænk på dybden, når du komponerer billedet. Du vil blive overrasket over, at det billede, du tager, vil have et kvalitativt spring.