Lisez notre guide complet et précis sur la façon d'améliorer votre style cinématographique avec ces cinq techniques cinématographiques de caméra et objectifs qui ajoutent du drame, de la profondeur et de la finition à chaque plan.
Introduction :
En parlant de techniques cinématographiques de caméra, pour améliorer votre art cinématographique, vous devez travailler plusieurs compétences clés. Commencez par les angles de caméra, les différents types de plans, une compréhension approfondie des réglages de votre caméra, l'éclairage, et la capacité à choisir les réglages appropriés pour chaque type de scène afin de mieux connecter avec le public. Tout cela a été largement discuté et expliqué en ligne, mais il existe encore quelques techniques « secrètes » à mettre en œuvre pour obtenir des résultats encore meilleurs.
Voici cinq conseils de vidéastes expérimentés qui recommandent ces techniques pour obtenir des résultats presque équivalents à ceux des studios de production cinématographiques. Notez que ces techniques cinématographiques de caméra essentielles sont extraites de dizaines d'autres recommandations que l'on adopte au fur et à mesure de sa carrière.
Techniques de caméra pour passer au niveau supérieur
1. Utilisez le directeur de la photographie pour mettre en valeur l'émotion
Si vous êtes un cinéaste indépendant, vous avez peut-être constaté que les décors à petit budget manquent souvent de cette finition cinématographique. Pour que votre contenu ait l'air d'une production cinématographique haut de gamme, vous devez résoudre ce problème d'arrière-plan.
Pour cela, la faible profondeur de champ cache les distractions et dirige l'attention vers le sujet, rendant le plan instantanément plus cinématographique. Un arrière-plan désordonné est immédiatement traité comme un bokeh, ce qui aide à cacher les détails que vous ne voulez pas que le public remarque. De nombreuses marques proposent désormais des objectifs anamorphiques moins chers, qui introduisent la profondeur de champ comme un champion et ne coûtent pas aussi cher qu'avant.
2. Évitez les murs blancs unis !
Parce que leur réflexion de tout rend le contrôle de la lumière très difficile dans un plan. Cela devient particulièrement important dans des espaces plus restreints, où des surfaces blanches et sans relief, surtout en arrière-plan, créent des rebonds et des débordements qui affectent négativement le contraste final et l'ombre dans le cadre. Ajouter des peintures et des textures aléatoires à l'arrière-plan est l'une des façons les plus économiques d'améliorer la valeur de votre production.
3. Respectez 1/50s à 24 fps.
Tout d'abord, apprenez la règle du obturateur à 180 degrés, qui stipule que la vitesse d'obturation de votre caméra doit être réglée à environ le double de votre fréquence d'images. Un tel réglage produit un flou de mouvement dans le cadre, une caractéristique cinématographique des films qui donne au contenu un aspect filmique sans apparence saccadée. Pour cet effet, considérez 1/50 de seconde pour 24p et 1/60 de seconde pour 30p comme base.
4. Utilisez des filtres ND variables !
Nous ne saurions trop insister sur l'importance d'utiliser des filtres ND variables, surtout en conditions lumineuses. Ces filtres sont conçus pour réduire la lumière sans affecter les réglages d'exposition et aident à maintenir une faible profondeur de champ. Même des filtres ND économiques peuvent fonctionner pour des prises cinématographiques ; vous n'avez pas nécessairement besoin de verre cinéma ultra coûteux à cette fin, mais faites attention à les assortir à la taille du filtre de votre objectif.
5. Utilisez souvent le mouvement de caméra
Le tournage professionnel ne signifie pas toujours être sur un trépied, mais plus vous bougez, plus vous apportez de résultats à votre contenu. En fait, un mouvement de caméra dynamique approprié utilisé dans la plupart des types de scènes est souvent ce qui donne à un film cette profondeur et cette énergie cinématographiques. Pour de telles prises, un gimbal ou un stabilisateur fera l'affaire. Pour améliorer l'exécution, utilisez le storyboarding afin que ces mouvements servent la narration, et non simplement comme décoration.
Investissez dans un objectif de caméra cinématographique
Vous savez maintenant quel est le secret pour rendre votre contenu plus cinématographique, mais vous avez encore besoin d'un objectif de caméra solide qui puisse vous aider à exécuter ces techniques avec une qualité optique cinématographique. Le kit d'objectifs anamorphiques SIRUI Saturn 35/50/75mm Full-Frame en fibre de carbone est conçu pour cela, élevant instantanément votre contenu avec un prix justifié.
Il y parvient grâce à son optique anamorphique, conçue pour rendre la vidéo avec un facteur de compression de 1,6x, qui offre un cadre large et cinématographique classique après décompression, comme on s'y attend dans un film hollywoodien. Le kit d'objectifs est conçu avec une ouverture T2.9 pour un rendu ultra-net, même en conditions de faible luminosité. Il ajoute également des reflets lumineux horizontaux à la vidéo, la rendant vraiment cinématographique.
Et tout cela se trouve dans un boîtier d'objectif de caméra pesant moins de 500 grammes avec une coque extérieure en fibre de carbone premium. Il est conçu avec des focales standard de l'industrie pour le rendre utilisable pour les prises de vue et techniques courantes, et il réalise tout ce qui précède à moins de la moitié du prix d'un objectif cinéma d'autres marques avec des spécifications et fonctionnalités similaires.
En conclusion :
Prenez votre carnet et notez les techniques de caméra cinématographiques mentionnées ci-dessus qui vous aideront à créer un contenu cinématographique de meilleure qualité. Pour des résultats encore meilleurs, envisagez le kit d'objectifs SIRUI Saturn et libérez tout le potentiel d'une véritable vidéo cinématographique pour votre prochain projet.
