질문이 영화와 TV 시리즈를 비교하는 것이 아니라, 당신이 만든 단편 영화가 어떻게 영화처럼 느껴지게 할 수 있는지에 관한 것인 것 같습니다. 이것은 매우 짧은 질문이지만, 답변은 포괄적인 영화 문화를 필요로 합니다. 오늘은 감독의 입장에서 간단히 시작해 봅시다.
시각 단위의 개념
소위 시각 단위는 화면에 단어로 작성된 스크립트를 표현하는 방법입니다.
스크립트를 연출 단위로 분해하고, 연출 단위를 시각 단위로 변환한 다음, 시각 단위를 개별 샷으로 전환하는 방법.
대본을 읽고 장면을 읽을 때, 그것을 할 수 있는 방법은 백 가지가 있지만, 그 중 어느 것도 절대적으로 좋거나 옳은 것은 없습니다. 그러나 오직 한 가지 방법만이 당신의 영화 이야기의 필요를 가장 잘 충족시키고 당신의 개별적인 스타일을 반영할 수 있습니다. (이야기를 제시하고 당신의 개별적인 스타일을 반영하는 데 적합한 방법은 단 하나뿐입니다)
여기서 자세히 설명하지는 않겠습니다. 사전 시각화 과정에는 이야기를 촬영하는 두 가지 기본 방법이 있습니다.
커버리지 대 샷 바이 샷 스타일
커버리지는 장면 내 모든 동작, 대사 등을 다양한 각도와 렌즈로 촬영하는 것을 의미합니다.
Shot by Shot 스타일은 모든 샷이 신중하게 계획되는 표준화되지 않은 촬영 스타일을 의미합니다. 한 장면은 처음부터 촬영됩니다.
간단히 이해하자면, 영화의 시네마틱한 느낌 없이 사전 시각화할 때 감독은 단지 이야기를 완전히 촬영하는 방법을 말하고자 하는 반면, 시네마틱한 느낌이 있는 영화의 샷들은 이야기를 촉진하는 데 도움을 주기 위해 신중하게 설계되며 독립적인 의미를 지닌다는 것입니다.
시네마틱하기 - 사진에서의 구도
영화 촬영과 제작을 배우면, 많은 사람들이 초반에 묻는 질문 중 하나가 "촬영한 것에 어떻게 영화 같은 느낌을 줄 수 있나요"입니다. 영화가 영화 같은 느낌을 주는 이유는 단지 촬영 기법의 독창성뿐만 아니라, 미술, 소품, 렌즈 언어 설계, 블로킹과 시퀀싱(연기와 움직임), 프리비주얼라이제이션(사전 시각화), 그리고 사운드 디자인의 협력이 결과를 만들어내기 때문입니다.
(다음 기사는 독자가 사진에 대한 기본 지식을 가지고 있다고 가정합니다)
사람들이 촬영 포럼에서 자주 묻는 첫 번째 질문은 "어떻게 촬영을 영화처럼 보이게 할 수 있나요"입니다. 저는 "영화 느낌"에 관해서는 서구 할리우드 스타일 영화와 일부 저예산 마이크로 필름을 구분할 필요가 있다고 생각합니다.
할리우드 영화의 고가 효과를 저비용 수단으로 복제하는 것이 때때로 매우 어렵지만, 영화가 "할리우드 영화"("시네마틱")처럼 보이게 할 수 있는 기본적으로 간단하고 비용이 전혀 들지 않는 촬영 아이디어들이 있습니다. 필름 카메라든 디지털 카메라든, 이것은 당신을 평범한 사진가와 다르게 만들어 줄 것입니다.
사진 촬영 관점에서, 다음 영화 제작 부분을 5가지 요소로 나누고자 합니다:
구도, 렌즈, 카메라 및 카메라 움직임, 조명, 색상
물론 이 5가지 측면이 유일한 영화적 요소는 아니지만, 할리우드 스타일 영화와 홈 비디오를 구분하는 기본 기준 중 하나라고 생각합니다.
사진작가들은 9등분법, 황금비점, 대각선 구도 등 구도 학습에 많은 노력을 기울입니다... 기본적인 이야기는 하고 싶지 않지만, 수많은 구도 중에서 필름 감각을 구별하는 데 더 중요하다고 생각하는 부분들이 분명히 있습니다.
뷰파인더를 선택할 때 염두에 두어야 할 몇 가지 사항이 있습니다---
프레임 크기 (이미지 크기)
영화 촬영 초기 단계에서 감독과 소통할 때, 어떤 크기의 화면을 촬영할지 명확히 해야 합니다. 일반적인 크기는 1.33 : 1, 흔히 4 * 3으로 알려진 것, 1.78 : 1, 16 * 9로도 알려진 것, 1.85 : 1 (즉, 최근 인기가 있는 소위 아카데미 비율로 매년 이름이 바뀌기도 함), 또는 2.35 : 1 (와이드스크린) 혹은 2.40/2.39 : 1 (1920*800 해상도를 출력하기 때문에 전자 와이드스크린이라고 부릅니다)입니다.
어떤 크기를 선택할지는 이야기의 내러티브 요구를 충족해야 합니다. 많은 사람들이 와이드스크린이 높다고 생각하지만, 많은 내러티브 상황에서 와이드스크린은 강력하지 않습니다. 만약 당신의 이야기에 거대한 출연진과 훌륭한 예술성이 있다면, 와이드스크린이 당신의 분위기 표현에 도움이 될 것입니다. 만약 와이드스크린을 선택했는데 영화에 흰 벽만 있다면, 더 넓은 화면의 관객은 단지 지루해할 것입니다. 반대로, 당신의 이야기가 매우 친밀한 로맨스이거나, 많은 물건을 화면 밖으로 빼야 하는 제한된 장소에서 촬영한다면, 와이드스크린은 분명 최선의 선택이 아닙니다. 영화 속 배우들의 키가 매우 다르거나, 노인과 아이들이 있다면... 과거 몇 년간 매우 인기가 있었던 1.33과 같은 비율, 1.66:1 화면에서는 너무 위협적이지 않으면서도 매우 친밀한 장면을 쉽게 표현할 수 있습니다. 프레임 크기 때문에 타협하는 것입니다. 현재 1.33은 "TV 시리즈의 감각"이 되었습니다.
스크린 크기의 선택은 스토리보드 이전, 사전 제작 초기 단계에서 협의되어야 합니다. 영화 <다크 나이트>(배트맨, 2008)처럼, 그들은 IMAX 버전과 2.35 구면 버전 두 가지를 만들었지만, 감독은 전통을 깨고 두 가지 크기의 영상을 혼합하기로 결정했습니다. 이 대담한 시도는 매우 아름다운 결과를 낳았습니다. 다시 한 번 "영화 제작에 정해진 법칙은 없다"는 이론을 확인시켜 주었습니다.
프레임 구축
이제 프레임은 갖췄지만, 그 안에 무엇을 넣어야 할까요? 수천 개의 기사와 튜토리얼이 화면에 무엇을 어디에 배치해야 하는지 가르쳐 주지만, 할리우드 스타일의 영화와 저예산 마이크로필름을 보면 구성에서 중요한 것은 "화면 깊이"입니다. 음... 중국인들은 어떨까요, 이 화면 깊이는 피사계 심도가 아니라, 할리우드 영화에서 배경의 설정과 환경이 배우들이 연기할 수 있도록 의도적으로 설정된 범위입니다. 많은 마이크로 영화들은 작은 방, 작은 가게 등 매우 작은 장소에서 촬영되었습니다. 반면에 할리우드는 큰 장소 공간에서 촬영하죠, 음... 이것은 확실히 부유하고 잘생긴 사람들이 만드는 제작(영화 규모)으로, 일반인이 모방하기 어렵지만, 여전히 화면 깊이를 높일 수 있는 몇 가지 방법이 있습니다.
이것을 하는 가장 쉽고 간단한 방법 중 하나는 피사체를 벽 앞에 두지 않는 것입니다. 이렇게 하면 조명 담당자가 고마워할 뿐만 아니라 더 나은 각도와 깊이를 바로 얻을 수 있습니다.
두 번째 방법은 벽의 모서리를 향해 촬영하는 것입니다. 이것은 흔한 간단한 요령이며, 방의 대각선을 따라 촬영하면 공간에 깊이를 더할 수 있습니다. 카메라를 벽의 대각선 쪽으로 이동하거나 적어도 벽의 모서리가 보이도록 하여 프레임이 즉시 더 높아 보이게 만드세요.
셋째, 외부 경치를 방 안으로 들여오세요. 창문이 있는 곳에서 촬영할 경우, 모두가 밖을 볼 수 있도록 실내 조명을 추가하세요. 심지어 그린 스크린 촬영을 해서 밖에 있는 것처럼 연출할 수도 있습니다. 초보자들은 종종 창문을 가리거나 창문이 너무 밝게 나오는 것을 좋아하는 경향이 있지만, 창문 밖의 풍경을 사진에 담을 수 있다면, 이러한 눈에 띄지 않는 외부 장면들이 환경을 강하게 암시하여 사진을 매우 아름답게 열어주고 사진의 깊이가 극적으로 증가하는 것을 자주 발견하게 될 것입니다.
넷째, 야외에서 촬영할 때는 관객이 위치를 알 수 있도록 랜드마크 건물을 찍어 보세요. 들판에 있다면 배경에 집이나 트랙터를 넣을 수 있습니다. 도시라면 배우 뒤로 세 개의 거리가 보이게 하세요. 이 배경들은 초점이 맞지 않아도 되고 흐릿해도 되지만, 이러한 요소들은 반드시 있어야 합니다.
마지막으로, 화면에 대한 피사계 심도의 영향에 대해 이야기하고 싶습니다. 많은 사람들이 "큰 조리개와 얕은 피사계 심도"가 "영화 같은 느낌"과 같다고 잘못 믿고 있습니다. 피사계 심도는 영화의 느낌을 구성하는 여러 요소 중 하나일 뿐입니다. 조리개를 넓게 열면 "와우" 하며 영화 같은 느낌이 나온다는 뜻이 아닙니다. 영화를 볼 때 정말 주의 깊게 보면, 얕은 피사계 심도는 할리우드 영화에서 보통 다음 두 가지 상황에서만 사용됩니다:
첫 번째는 정보가 많은 세미 와이드 샷을 촬영할 때 관객의 시선을 중요한 것에 집중시켜야 한다는 점입니다. 길가 카페에서 약 20개의 그룹 공연이 있다고 상상해 보세요. 그때 관객이 우리 슈퍼히어로가 전화를 받는 장면을 알아차리게 해야 합니다. 이때 우리는 얕은 피사계 심도를 사용하여 관객에게 "무엇을 봐야 하는지"를 안내해야 합니다.
할리우드 영화에서 얕은 피사계 심도의 두 번째 사용은 클로즈업과 미디엄 샷을 촬영할 때입니다. 얕은 피사계 심도는 관객이 대화 내용에 집중하는 데 도움을 줄 수 있습니다.
위의 두 가지 점 외에도, 장편 영화들은 이미 촬영 장소에 대한 촬영 허가를 받기 위해 많은 돈을 썼으며, 여러분이 "이곳이 정말 멋지다. 여기 정말 많은 돈이 들었어."라고 볼 수 있도록 모두 촬영하고 싶어합니다. 그래서 설정 샷은 반드시 깊은 심도여야 합니다. 그리고 여러 사람 간의 대화도 깊은 심도여야 합니다. 깊은 심도는 여러분의 영상이 더 고급스럽고, 웅장하며, 더 넓게 보이게 만듭니다. 많은 단편 영화들이 심도가 부족해서 답답하게 보입니다.
그러므로 할리우드 블록버스터를 볼 때, 그것에 대해 생각하고 느끼며, 화면을 구성할 때 깊이에 대해 생각해 보세요. 당신이 촬영하는 화면이 질적인 도약을 이룰 것임에 놀라게 될 것입니다.