Det ser ud til, at spørgsmålet er, hvordan man får den kortfilm, man laver, til at føles cinematisk, ikke at sammenligne film og tv-serier? Dette er et meget kort spørgsmål, men svaret kræver en omfattende filmkultur. I dag starter vi enkelt fra instruktørens side.
Begrebet Visuel Enhed
Den såkaldte visuelle enhed er, hvordan man udtrykker manuskriptet skrevet med ord på skærmen.
Hvordan man opdeler manuskriptet i instruktørenheder, omdanner instruktørenhederne til visuelle enheder, og til sidst forvandler de visuelle enheder til individuelle optagelser.
Når du læser et manuskript og læser en scene, kan du gøre det på hundrede måder, ingen af dem er absolut gode eller absolut rigtige, men der er kun én måde at gøre det på, kun én måde, der bedst tjener historiens behov i din film og afspejler din individuelle stil. (Der er kun én passende måde at præsentere historien på og afspejle din individuelle stil)
Jeg vil ikke uddybe det her. I processen med forvisualisering er der to grundlæggende måder at optage historier på.
Dækning vs. Billede for billede stil
Dækning betyder at optage alle handlinger, dialoger osv. i en scene med forskellige vinkler og linser.
Shot by Shot Style betyder ikke-standardiseret stil for optagelsen, hvor hvert enkelt skud er omhyggeligt planlagt. En scene optages fra en udgang.
En simpel forståelse er, at når man forudvisualiserer en film uden en filmisk følelse, ønsker instruktøren blot at angive, hvordan man fuldstændigt optager en historie, mens optagelserne i en film med en filmisk følelse er omhyggeligt designet til at hjælpe med at fremme historien, og den eksisterer uafhængigt. betydning.
At være filmisk - Komposition i fotografi
Hvis du lærer filmoptagelse og produktion, er et af de spørgsmål, som mange stiller i begyndelsen, "hvordan man får det, man optager, til at have en filmisk følelse". Årsagen til, at en film har en filmisk følelse, er ikke kun snilde i fotografering, men også i kunst, rekvisitter, objektiv-sprogsdesign, blokering og sekvensering (optræden og bevægelse), forvisualiseringer (forvisualisering) og lyd design. Samarbejde kan opnå resultater.
(Den følgende artikel antager, at læserne har en vis grundlæggende viden om fotografering)
Det første spørgsmål, som folk ofte stiller på filmoptagelsesfora, er "hvordan man får optagelsen til at se cinematiske ud". Jeg føler, at når det kommer til "filmfornemmelse", er det nødvendigt at skelne mellem vestlige Hollywood-stil film og nogle lavbudget mikrofilm.
Selvom de dyre effekter i Hollywood-film nogle gange er meget svære at efterligne med nogle lavpris-metoder, er der nogle grundlæggende enkle og omkostningsfrie optageidéer, der kan få din film til at ligne en "Hollywood-film" ("filmisk"). Uanset om det er et filmkamera eller et fladkamera, vil det gøre dig anderledes end den gennemsnitlige fotograf.
Fra et fotografisk synspunkt vil jeg gerne opdele den følgende filmfremstillingsdel i 5 elementer:
Indramning, Linser, Kamera og Kamerabevægelse, Belysning, Farve
Selvfølgelig er disse 5 aspekter ikke de eneste filmiske aspekter, men jeg synes, det er et af de grundlæggende kriterier, der adskiller Hollywood-stil film fra hjemmevideo.
Fotografer lægger meget arbejde i at lære komposition, såsom ni-felts metoden, det gyldne snit punkt, diagonal komposition osv... Jeg vil ikke tale om det grundlæggende, men der er faktisk nogle områder i så mange kompositioner, som jeg synes er vigtigere for at skelne filmens følelse.
Der er et par ting, du skal huske på, når du tager søgeren op---
Rammestørrelse (størrelsen på billedet)
Når du kommunikerer med instruktøren i den tidlige fase af filmen, der skal optages, skal du præcisere, hvilken skærmstørrelse du ønsker at optage i. De populære størrelser er 1,33 : 1, almindelig kendt som 4 * 3, 1,78 : 1, også kendt som 16 * 9, 1,85 : 1 (det såkaldte Academy, som er populært i de senere år, og navnet ændres hvert år) eller 2,35 : 1 (widescreen) eller 2,40/2,39 : 1 (jeg kalder det elektronisk widescreen, fordi de outputter 1920*800)
Hvilken størrelse man skal vælge, bør opfylde historiens narrative krav. Selvom mange tror, at widescreen er højt, er widescreen i mange narrative situationer ikke kraftfuldt. Hvis din historie har et stort cast og fantastisk kunst, vil widescreen hjælpe din stemningsudtryk. Hvis du vælger widescreen, og din film kun har hvide vægge, vil publikum på den brede skærm bare kede sig. Omvendt, hvis din historie er en meget intim romance, eller hvis du optager på en begrænset location med mange ting, du skal udelade fra skærmen, er widescreen åbenlyst ikke det bedste valg. Hvis højden på skuespillerne i din film er meget forskellig, der er gamle mennesker og børn... Som 1.33, som var meget populær for nogle år siden, kan du i 1.66:1-billedformatet nemt udtrykke nogle meget intime billeder uden at være for skræmmende. Kompromis på grund af billedformat. Selvom 1.33 nu er blevet en "følelse af tv-serier".
Valget af skærmstørrelse bør forhandles på de tidligste stadier af forproduktionen, endda før storyboardet. Ligesom filmen The Dark Knight (Batman, 2008), lavede de to versioner, en i imax og en i 2,35 sfærisk, men instruktøren besluttede at bryde traditionen og blandede de to billedstørrelser. Dette dristige træk resulterede i et meget smukt resultat. Endnu en gang bekræftede det teorien om "ingen teorem for at lave film".
Opbygning af rammen
Nu har du rammen, men hvad skal du putte i den? Tusindvis af artikler og vejledninger lærer dig, hvad og hvor du skal placere på din skærm, men når man ser på Hollywood-stil film og lavbudget mikrofilm, er det "skærmdybde", der er vigtigt i kompositionen. Hmm... hvad med kineserne, denne skærmdybde er ikke dybdeskarphed, men et område i Hollywood-film, hvor indstillingen og miljøet i baggrunden bevidst er sat op for skuespillerne at optræde i. Mange mikrofilm blev optaget på meget små steder, såsom små værelser, små butikker og lignende. Omvendt optager Hollywood i et stort lokale, øh... Dette er faktisk produktionen (filmskalaen) af folk, der er rige og flotte, hvilket gør det svært for græsrødder at efterligne, men der er nogle ting, der stadig kan øge skærmdybden i hængende silke mikrofilm.
En af de nemmeste og letteste måder at gøre dette på er ikke at placere dit motiv foran væggen. Ikke alene vil din lysmester være taknemmelig over for dig, men du vil også straks få bedre vinkler og dybde.
Den anden metode er at skyde mod hjørnet af væggen. Dette er et almindeligt simpelt trick, og at skyde mod rummets diagonal vil tilføje dybde til rummet. Flyt dit kamera til væggens diagonal, eller i det mindste så du kan se hjørnet af væggen, for at få dit billede til at se øjeblikkeligt højere ud.
For det tredje, bring udsigten udefra ind i rummet. Hvis du optager et sted med vinduer, tilføj indendørs belysning, så alle kan se udenfor. Du kan endda tage et green screen-billede og lade som om, du er udenfor. Mange gange har nybegyndere en tendens til at blokere vinduet eller overeksponere det, men hvis du kan bringe udsigten udenfor vinduet ind i billedet, vil du ofte opdage, at disse ubemærkede udendørs scener stærkt antyder miljøet, hvilket gør billedet meget åbent og får billedets dybde til dramatisk at øges.
For det fjerde, hvis du filmer udendørs, så prøv at få nogle vartegn med for at lade publikum vide, hvor du er. Hvis du er på landet, kan du placere huset eller traktoren i baggrunden. Hvis du er i en by, lad publikum se de tre gader bag skuespilleren. Disse baggrunde behøver ikke at være i fokus og kan være slørede, men disse elementer skal være til stede.
Endelig vil jeg gerne tale om dybdeskarphedens indvirkning på skærmen. Mange, mange mennesker tror fejlagtigt, at "stor blændeåbning og lav dybdeskarphed" svarer til "filmfornemmelse". Dybdeskarphed er kun et af de mange elementer, der udgør følelsen af en film. Det betyder ikke, at du åbner blænden vidt, og så kommer "wow" filmfornemmelsen frem. Hvis du virkelig lægger mærke til det, når du ser en film, bruges lav dybdeskarphed som regel kun i to af følgende situationer i Hollywood-film:
Det første er, at hvis du optager et semi-bredt skud med mange oplysninger, skal du lede dit publikums opmærksomhed mod noget vigtigt. Forestil dig, at der er omkring 20 gruppeoptrædener i en vejkantscafé, og så skal du have publikum til at bemærke, at vores superhelt tager telefonen. På dette tidspunkt skal vi bruge en lav dybdeskarphed for at guide publikum "hvad de skal se".
Den anden anvendelse af lav dybdeskarphed i Hollywood-film er ved optagelse af nærbilleder og mellemoptagelser. Lav dybdeskarphed kan hjælpe publikum med at fokusere på indholdet af dialogen.
Ud over de to ovenstående punkter har spillefilm allerede brugt mange penge på at få en optagelsestilladelse til et sted, og de vil virkelig gerne filme det hele, så du kan se "Se, dette sted er fantastisk. Se, se, det kostede mange penge her." Så etableringsskud skal have stor dybdeskarphed. Og dialogen mellem flere personer skal også have stor dybdeskarphed. Stor dybdeskarphed får dine billeder til at se avancerede, storslåede og mere rummelige ud. Mange mikrofim ser klaustrofobiske ud, fordi dybdeskarpheden ikke er tilstrækkelig.
Derfor, når du ser en Hollywood-blockbuster, så tænk over det og føl det, og tænk på dybden, når du komponerer billedet. Du vil blive forbløffet over, at det billede, du optager, vil have et kvalitativt spring.