Sembra che la domanda posta sia come far sentire cinematografico il cortometraggio che realizzi, non confrontare film e serie TV? Questa è una domanda molto breve, ma la risposta richiede una cultura cinematografica completa. Oggi, iniziamo semplicemente dal lato del regista.
Il concetto di unità visiva
L'unità visiva cosiddetta è il modo di esprimere lo script scritto a parole sullo schermo.
Come suddividere la sceneggiatura in unità registiche, convertire le unità registiche in unità visive e infine trasformare le unità visive in singole inquadrature.
Quando leggi una sceneggiatura e leggi una scena, puoi farlo in cento modi, nessuno dei quali è assolutamente buono o assolutamente giusto, ma c'è un solo modo per farlo, un solo modo che servirà al meglio le esigenze narrative del tuo film e rifletterà il tuo stile individuale. (C'è un solo modo adatto per presentare la storia e riflettere il tuo stile individuale)
Non lo espanderò qui. Nel processo di pre-visualizzazione, ci sono due modi fondamentali per girare le storie.
Copertura vs. Stile Scatto per Scatto
Copertura significa riprendere tutte le azioni, i dialoghi, ecc. in una scena con angolazioni e obiettivi diversi.
Lo stile Shot by Shot significa uno stile di ripresa non standardizzato, in cui ogni inquadratura è accuratamente pianificata. Una scena viene girata da un esterno.
Una semplice comprensione è che quando si pre-visualizza un film senza un'atmosfera cinematografica, il regista vuole solo indicare come girare una storia completamente, mentre le inquadrature di un film con un'atmosfera cinematografica sono accuratamente progettate per aiutare a promuovere la storia, e hanno un significato indipendente.
Essere Cinematografici - Composizione nella Fotografia
Se impari a girare e produrre film, una delle domande che molte persone fanno all'inizio è "come fare in modo che le cose che filmi abbiano un'atmosfera cinematografica". Il motivo per cui un film ha un'atmosfera cinematografica non è solo l'ingegnosità nella fotografia, ma anche nell'arte, nelle scenografie, nel design del linguaggio delle lenti, nel Blocking e Sequencing (performance e movimento), nelle Pre-visualizzazioni (pre-visualizzazione) e nel design del suono. La cooperazione può ottenere risultati.
(L'articolo seguente presume che i lettori abbiano una certa conoscenza di base della fotografia)
La prima domanda che le persone spesso fanno nei forum di ripresa è "come fare in modo che le riprese sembrino cinematografiche". Ritengo che in termini di "sensazione da film", sia necessario distinguere tra film in stile Hollywood occidentale e alcuni micro-film a basso budget.
Anche se gli effetti costosi dei film di Hollywood sono a volte molto difficili da replicare con mezzi a basso costo, ci sono alcune idee di ripresa fondamentalmente semplici e a costo zero che possono far sembrare il tuo film un "film di Hollywood" ("cinematografico"). Che si tratti di una cinepresa o di una fotocamera piatta, ti renderà diverso dal fotografo medio.
Dal punto di vista fotografico, vorrei suddividere la seguente parte di realizzazione cinematografica in 5 elementi:
Inquadratura, Obiettivo, Fotocamera e Movimento della Fotocamera, Illuminazione, Colore
Naturalmente, questi 5 aspetti non sono gli unici aspetti cinematografici, ma penso che siano uno dei criteri di base che differenziano i film in stile Hollywood dai video casalinghi.
I fotografi dedicano molto impegno all'apprendimento della composizione, come il metodo delle nove caselle, il punto del rapporto aureo, la composizione diagonale, ecc... Non voglio parlare delle basi, ma ci sono davvero alcune aree in molte composizioni che penso siano più importanti per distinguere il senso del film.
Ci sono alcune cose da tenere a mente quando si prende il mirino---
Dimensione del fotogramma (la dimensione dell'immagine)
Quando si comunica con il regista nella fase iniziale del film da girare, è necessario chiarire quale dimensione dello schermo si desidera utilizzare. Le dimensioni più comuni sono 1,33 : 1, comunemente noto come 4 * 3, 1,78 : 1, noto anche come 16 * 9, 1,85 : 1 (cioè il cosiddetto Academy, popolare negli ultimi anni, e il nome cambia ogni anno) o 2,35 : 1 (widescreen) o 2,40/2,39 : 1 (che chiamo widescreen elettronico perché producono 1920*800)
La dimensione da scegliere dovrebbe soddisfare i requisiti narrativi della storia. Sebbene molte persone pensino che il formato widescreen sia alto, in molte situazioni narrative il widescreen non è efficace. Se la tua storia ha un cast enorme e una grande arte, allora un widescreen aiuterà l'espressione dell'ambiente. Se scegli il widescreen e il tuo film non ha altro che pareti bianche, allora il pubblico con lo schermo più ampio si annoierà semplicemente. Al contrario, se la tua storia è un romanzo molto intimo, o se stai girando in una location limitata con molte cose che dovrai escludere dallo schermo, allora il widescreen ovviamente non è la scelta migliore. Se l'altezza degli attori nel tuo film è molto diversa, ci sono persone anziane e bambini... Come 1.33, che è stato molto popolare negli ultimi anni, nel formato 1.66:1 puoi facilmente esprimere alcune immagini molto intime senza essere troppo intimidatorio. Compromesso a causa della dimensione del fotogramma. Anche se ora 1.33 è diventato un "senso delle serie TV".
La scelta della dimensione dello schermo dovrebbe essere negoziata nelle prime fasi della pre-produzione, anche prima dello storyboard. Come nel film The Dark Knight (Batman, 2008), hanno realizzato due versioni, una in IMAX e una in 2.35 sferico, ma il regista ha deciso di rompere la tradizione e ha mescolato le due dimensioni delle immagini. Questa mossa audace ha portato a un risultato molto bello. Ancora una volta è stata confermata la teoria del "no teorema del fare film".
Costruire il telaio
Ora hai la cornice, ma cosa metterci dentro? Migliaia di articoli e tutorial ti insegnano cosa e dove mettere sullo schermo, ma guardando i film in stile Hollywood e i microfilm a basso budget, è la "profondità dello schermo" che è importante nella composizione. Hmm... che ne dici dei cinesi, questa profondità dello schermo non è la profondità di campo, ma un intervallo nei film di Hollywood dove l'ambientazione e l'ambiente sullo sfondo sono deliberatamente impostati per gli attori da interpretare. Molti microfilm sono stati girati in luoghi molto piccoli, come stanze piccole, negozi piccoli e simili. Al contrario, Hollywood gira in uno spazio di grandi dimensioni, uh... Questa è davvero la produzione (scala del film) di persone ricche e affascinanti, che rende difficile per i livelli base imitare, ma ci sono alcune cose che possono comunque aumentare la profondità dello schermo dei microfilm di seta appesa.
Uno dei modi più semplici e facili per farlo è non posizionare il soggetto davanti al muro. Non solo il tuo maestro della luce ti sarà grato, ma otterrai anche angoli e profondità migliori subito.
Il secondo metodo è sparare contro l'angolo del muro. Questo è un trucco semplice e comune, e sparare contro la diagonale di una stanza aggiungerà profondità allo spazio. Sposta la tua fotocamera sulla diagonale del muro, o almeno guarda l'angolo del muro, per far sembrare il tuo inquadratura immediatamente più alta.
Terzo, porta la vista esterna nella stanza. Se stai girando in un luogo con finestre, aggiungi un'illuminazione interna in modo che tutti possano vedere fuori. Puoi anche fare uno scatto con schermo verde e fingere di essere all'esterno. Molte volte i principianti tendono a coprire la finestra o a sovraesporla, ma se riesci a portare il paesaggio esterno della finestra nell'immagine, scoprirai spesso che queste scene esterne poco appariscenti implicano fortemente l'ambiente, rendendo l'immagine molto più aperta e aumentando notevolmente la profondità dell'immagine.
Quarto, se stai girando all'aperto, cerca di includere alcuni edifici di riferimento per far sapere al pubblico dove ti trovi. Se sei in campagna, puoi mettere la casa o il trattore sullo sfondo. Se sei in città, lascia che il pubblico veda le tre strade dietro l'attore. Questi sfondi non devono essere a fuoco e possono essere sfocati, ma questi elementi devono esserci.
Infine, vorrei parlare dell'impatto della profondità di campo sullo schermo. Molte, molte persone credono erroneamente che "ampia apertura e profondità di campo ridotta" equivalgano a "sensazione cinematografica". La profondità di campo è solo uno dei molti elementi che compongono la sensazione di un film. Non significa che apri l'apertura al massimo e "wow" la sensazione cinematografica appare. Se presti davvero attenzione mentre guardi un film, allora la profondità di campo ridotta viene solitamente utilizzata solo in due delle seguenti situazioni nei film di Hollywood:
Il primo punto è che se stai girando una ripresa semi-ampia con molte informazioni, devi indirizzare l'attenzione del tuo pubblico su qualcosa di importante. Immagina che ci siano circa 20 esibizioni di gruppo in un caffè sulla strada, e poi devi far sì che il pubblico noti che il nostro supereroe sta rispondendo al telefono. In questo caso, dobbiamo usare una profondità di campo ridotta per guidare il pubblico su "cosa guardare".
Il secondo uso della profondità di campo ridotta nei film di Hollywood è durante le riprese di primi piani e piani medi. La profondità di campo ridotta può aiutare il pubblico a concentrarsi sul contenuto del dialogo.
Oltre ai due punti sopra, i lungometraggi hanno già speso molti soldi per ottenere una licenza di ripresa per una location, e vogliono davvero girarle tutte per farti vedere "Guarda, questo posto è incredibile. Guarda, guarda, qui è costato un sacco di soldi." Quindi le inquadrature di apertura devono avere una grande profondità di campo. E i dialoghi tra più persone devono avere anch'essi una grande profondità di campo. Una grande profondità di campo farà sembrare le tue immagini avanzate, più grandiose e più ampie. Molti cortometraggi sembrano claustrofobici perché la profondità di campo non è sufficiente.
Quindi, quando guardi un blockbuster di Hollywood, pensaci e sentilo, e rifletti sulla profondità durante la composizione dell'immagine. Rimarrai stupito nel vedere che l'immagine che scatti avrà un salto qualitativo.