Wygląda na to, że pytanie dotyczy tego, jak sprawić, by krótki film, który tworzysz, miał charakter kinowy, a nie porównywania filmów i seriali? To bardzo krótkie pytanie, ale odpowiedź wymaga wszechstronnej kultury filmowej. Dziś zacznijmy po prostu od strony reżysera.
Koncepcja jednostki wizualnej
Tak zwana jednostka wizualna to sposób wyrażenia scenariusza napisanego słowami na ekranie.
Jak podzielić scenariusz na jednostki reżyserskie, przekształcić jednostki reżyserskie w jednostki wizualne, a na końcu zamienić jednostki wizualne na pojedyncze ujęcia.
Kiedy czytasz scenariusz i czytasz scenę, możesz to zrobić na sto sposobów, z których żaden nie jest absolutnie dobry ani absolutnie właściwy, ale istnieje tylko jeden sposób, który najlepiej spełni potrzeby fabuły twojego filmu i odzwierciedli twój indywidualny styl. (Istnieje tylko jeden odpowiedni sposób, aby przedstawić historię i odzwierciedlić twój indywidualny styl)
Nie będę tego tutaj rozwijać. W procesie prewizualizacji istnieją dwa podstawowe sposoby kręcenia historii.
Pokrycie vs. Styl Klatka po Klatce
Pokrycie oznacza nagrywanie wszystkich akcji, dialogów itp. w scenie z różnych kątów i obiektywów.
Styl Shot by Shot oznacza niestandardowy styl zdjęć, gdzie każdy ujęcie jest starannie zaplanowane. Scena jest kręcona od początku.
Proste zrozumienie jest takie, że podczas wstępnej wizualizacji filmu bez kinowego klimatu, reżyser chce po prostu powiedzieć, jak całkowicie nakręcić historię, podczas gdy ujęcia filmu z kinowym klimatem są starannie zaprojektowane, aby pomóc w promowaniu historii i mają niezależne znaczenie.
Bycie kinowym - kompozycja w fotografii
Jeśli uczysz się kręcenia i produkcji filmów, jedno z pytań, które wiele osób zadaje na początku, brzmi: "jak sprawić, by to, co nagrywasz, miało kinowy charakter". Powodem, dla którego film ma kinowy charakter, jest nie tylko pomysłowość w fotografii, ale także w sztuce, rekwizytach, projektowaniu języka obiektywu, blokowaniu i sekwencjonowaniu (występ i ruch), prewizualizacjach (prewizualizacja) oraz projektowaniu dźwięku. Współpraca może przynieść efekty.
(Następujący artykuł zakłada, że czytelnicy posiadają podstawową wiedzę na temat fotografii)
Pierwsze pytanie, które ludzie często zadają na forach filmowych, brzmi: "jak sprawić, by zdjęcia wyglądały na kinowe". Uważam, że jeśli chodzi o "filmowy klimat", konieczne jest rozróżnienie między zachodnimi filmami w stylu Hollywood a niektórymi niskobudżetowymi mikrofilmami.
Chociaż drogie efekty filmów hollywoodzkich są czasami bardzo trudne do odtworzenia za pomocą tanich środków, istnieją pewne zasadniczo proste i bezkosztowe pomysły na zdjęcia, które mogą sprawić, że Twój film będzie wyglądał jak "film hollywoodzki" ("kinematograficzny"). Niezależnie od tego, czy jest to kamera filmowa, czy aparat płaski, wyróżni Cię to spośród przeciętnych fotografów.
Z fotograficznego punktu widzenia chciałbym podzielić następującą część dotyczącą tworzenia filmu na 5 elementów:
Kadrowanie, Obiektyw, Kamera i Ruch Kamery, Oświetlenie, Kolor
Oczywiście te 5 aspektów nie jest jedynymi aspektami filmowymi, ale uważam, że to jedno z podstawowych kryteriów, które odróżnia filmy w stylu Hollywood od wideo domowego.
Fotografowie wkładają wiele wysiłku w naukę kompozycji, takich jak metoda dziewięciu kwadratów, punkt złotego podziału, kompozycja diagonalna itp... Nie chcę mówić o podstawach, ale rzeczywiście istnieją pewne obszary w wielu kompozycjach, które uważam za ważniejsze dla odróżnienia poczucia filmu.
Jest kilka rzeczy, o których musisz pamiętać, wybierając wizjer---
Rozmiar ramki (rozmiar obrazu)
Podczas komunikacji z reżyserem na wczesnym etapie realizacji filmu, należy wyjaśnić, jaki rozmiar ekranu chce się nagrywać. Popularne rozmiary to 1,33 : 1, powszechnie znany jako 4 * 3, 1,78 : 1, znany również jako 16 * 9, 1,85 : 1 (czyli tzw. Academy, który jest popularny w ostatnich latach, a nazwa zmienia się co roku) lub 2,35 : 1 (widescreen) lub 2,40/2,39 : 1 (nazywam to elektronicznym widescreenem, ponieważ wyświetlają 1920*800)
Jaki rozmiar wybrać, powinien spełniać wymagania narracyjne historii. Chociaż wiele osób uważa, że szeroki ekran jest wysoki, to w wielu sytuacjach narracyjnych szeroki ekran nie jest skuteczny. Jeśli twoja historia ma ogromną obsadę i wspaniałą sztukę, to szeroki ekran pomoże wyrazić atmosferę. Jeśli wybierzesz szeroki ekran, a twój film nie ma nic poza białymi ścianami, to szerszy ekran po prostu znudzi widzów. Natomiast jeśli twoja historia to bardzo intymny romans, lub jeśli kręcisz w ograniczonej lokalizacji z wieloma rzeczami, które musisz wykluczyć z ekranu, to szeroki ekran oczywiście nie jest najlepszym wyborem. Jeśli wzrost aktorów w twoim filmie jest bardzo różny, są starzy ludzie i dzieci... Jak 1.33, które było bardzo popularne w ostatnich latach, w obrazie 1.66:1 możesz łatwo wyrazić bardzo intymne sceny, nie będąc zbyt przytłaczającym. Kompromis ze względu na rozmiar kadru. Chociaż teraz 1.33 stało się "odczuciem seriali TV".
Wybór rozmiaru ekranu powinien być negocjowany na najwcześniejszych etapach przedprodukcji, nawet przed storyboardem. Podobnie jak w filmie The Dark Knight (Batman, 2008), zrobiono dwie wersje: imax i 2.35 sferyczną, ale reżyser postanowił przełamać tradycję i połączyć dwa rozmiary obrazów. Ten odważny krok zaowocował bardzo pięknym rezultatem. Po raz kolejny potwierdził teorię "braku reguły w tworzeniu filmów".
Budowanie ramy
Teraz masz ramę, ale co w niej umieścić? Tysiące artykułów i samouczków uczą, co i gdzie umieścić na ekranie, ale patrząc na filmy w stylu hollywoodzkim i niskobudżetowe mikrofimy, to "głębia ekranu" jest ważna w kompozycji. Hmm... a co z Chińczykami, ta głębia ekranu to nie głębia ostrości, ale zakres w filmach hollywoodzkich, gdzie tło i otoczenie są celowo ustawione dla aktorów do występów. Wiele mikrofimów kręcono w bardzo małych miejscach, takich jak małe pokoje, małe sklepy i tym podobne. Przeciwnie, Hollywood kręci w dużych przestrzeniach, uh... To rzeczywiście produkcja (skala filmu) ludzi bogatych i przystojnych, co utrudnia naśladowanie przez zwykłych ludzi, ale są pewne rzeczy, które nadal mogą zwiększyć głębię ekranu w mikrofimach z wiszącym jedwabiem.
Jednym z najprostszych i najłatwiejszych sposobów na to jest nie umieszczanie obiektu przed ścianą. Nie tylko twój mistrz światła będzie ci wdzięczny, ale także od razu uzyskasz lepsze kąty i głębię.
Drugą metodą jest strzelanie w kierunku narożnika ściany. To powszechny, prosty trik, a strzelanie wzdłuż przekątnej pokoju doda przestrzeni głębi. Przesuń kamerę na przekątną ściany lub przynajmniej zobacz narożnik ściany, aby twoja ramka wyglądała natychmiast na wyższą.
Po trzecie, wprowadź widok z zewnątrz do pomieszczenia. Jeśli nagrywasz tam, gdzie są okna, dodaj oświetlenie wewnętrzne, aby wszyscy mogli zobaczyć na zewnątrz. Możesz nawet zrobić ujęcie na zielonym tle i udawać, że jesteś na zewnątrz. Często nowicjusze mają tendencję do zasłaniania okna lub prześwietlania go, ale jeśli uda ci się wprowadzić krajobraz za oknem do zdjęcia, często zauważysz, że te niepozorne sceny zewnętrzne silnie sugerują otoczenie, sprawiając, że obraz otwiera się bardzo pięknie, a głębia zdjęcia dramatycznie wzrasta.
Po czwarte, jeśli filmujesz na zewnątrz, spróbuj uchwycić charakterystyczne budynki, aby widzowie wiedzieli, gdzie się znajdujesz. Jeśli jesteś na polu, możesz umieścić dom lub traktor w tle. Jeśli jesteś w mieście, pozwól widzom zobaczyć trzy ulice za aktorem. Te tła nie muszą być ostre i mogą być rozmyte, ale te elementy muszą się tam znajdować.
Na koniec chciałbym porozmawiać o wpływie głębi ostrości na ekran. Wiele, wiele osób błędnie uważa, że „duża przysłona i płytka głębia ostrości” równa się „filmowemu klimatowi”. Głębia ostrości to tylko jeden z wielu elementów składających się na odczucie filmu. Nie oznacza to, że wystarczy szeroko otworzyć przysłonę i „wow” pojawia się filmowy klimat. Jeśli naprawdę zwrócisz uwagę podczas oglądania filmu, to płytka głębia ostrości jest zwykle używana tylko w dwóch z następujących sytuacji w hollywoodzkich filmach:
Pierwsza rzecz to, że jeśli nagrywasz półszeroki kadr z dużą ilością informacji, musisz skierować uwagę widzów na coś ważnego. Wyobraź sobie, że w przydrożnej kawiarni odbywa się około 20 występów grupowych, a wtedy chcesz, aby widzowie zauważyli, że nasz superbohater odbiera telefon. W tym momencie musimy użyć płytkiej głębi ostrości, aby pokierować widzów, "na co patrzeć".
Drugie zastosowanie płytkiej głębi ostrości w hollywoodzkich filmach to kręcenie zbliżeń i ujęć średnich. Płytka głębia ostrości może pomóc widzom skupić się na treści dialogu.
Oprócz powyższych dwóch punktów, filmy fabularne już wydały dużo pieniędzy na uzyskanie licencji na filmowanie w danym miejscu i naprawdę chcą nakręcić wszystko, abyś mógł zobaczyć „Spójrz, to miejsce jest niesamowite. Spójrz, spójrz, tutaj wydano dużo pieniędzy.” Dlatego ujęcia wprowadzające muszą mieć dużą głębię ostrości. A dialog między wieloma osobami również powinien mieć dużą głębię ostrości. Duża głębia ostrości sprawi, że twoje obrazy będą wyglądać na zaawansowane, bardziej okazałe i rozległe. Wiele mikrofilmów wygląda klaustrofobicznie, ponieważ głębia ostrości jest niewystarczająca.
Dlatego gdy oglądasz hollywoodzki hit, pomyśl o tym i poczuj to, a także zastanów się nad głębią podczas komponowania obrazu. Będziesz zdumiony, że zdjęcie, które zrobisz, będzie miało jakościowy skok.