Il semble que la question posée est de savoir comment rendre le court métrage que vous réalisez cinématographique, sans comparer des films et des séries TV ? C'est une question très courte, mais la réponse nécessite une culture cinématographique complète. Aujourd'hui, commençons simplement du côté du réalisateur.
Le concept d'unité visuelle
L'unité dite visuelle est la façon d'exprimer le script écrit en mots sur l'écran.
Comment décomposer le script en unités de réalisation, convertir les unités de réalisation en unités visuelles et enfin transformer les unités visuelles en plans individuels.
Lorsque vous lisez un script et lisez une scène, vous pouvez le faire de cent façons, dont aucune n'est absolument bonne ou absolument juste, mais il n'y a qu'une seule façon de le faire, une seule qui sera la meilleure servir les besoins de l'histoire de votre film et refléter votre style individuel. (Il n'y a qu'une seule façon appropriée de présenter l'histoire et de refléter votre style personnel)
Je ne le développerai pas ici. Dans le processus de pré-visualisation, il existe deux manières fondamentales de filmer des histoires.
Couverture par rapport au style plan par plan
Couvrir signifie filmer toutes les actions, dialogues, etc. dans une scène avec différents angles et objectifs.
Le style plan par plan signifie un style de tournage non standardisé, où chaque plan est soigneusement planifié. Une scène est filmée depuis une sortie.
Une compréhension simple est que lors de la pré-visualisation d'un film sans sensation cinématographique, le réalisateur veut juste dire comment tourner complètement une histoire, tandis que les plans d'un film avec une sensation cinématographique sont soigneusement conçus pour aider à promouvoir l'histoire , et il existe indépendamment. importance.
Être cinématographique - Composition en photographie
Si vous apprenez le tournage et la production de films, l'une des questions que beaucoup de gens se posent au début est "comment donner aux choses que vous tournez une sensation cinématographique". La raison pour laquelle un film a une sensation cinématographique n'est pas seulement l'ingéniosité dans la photographie, mais aussi dans l'art, les accessoires, la conception du langage de l'objectif, le blocage et le séquençage (performance et mouvement), les pré-visualisations (pré-visualisation) et la conception sonore. La coopération peut donner des résultats.
(L'article suivant suppose que les lecteurs ont une certaine connaissance de base de la photographie)
La première question que les gens posent souvent sur les forums de tournage est "comment donner au tournage un aspect cinématographique ?". J'ai l'impression qu'en termes de "sensation cinématographique", il faut faire la distinction entre les films de style western hollywoodien et certains micro-films à petit budget.
Même s'il est parfois très difficile de reproduire les effets coûteux des films hollywoodiens avec des moyens peu coûteux, il existe des idées de tournage fondamentalement simples et sans coût qui peuvent donner à votre film l'apparence d'un "film hollywoodien" ("cinéma "). Qu'il s'agisse d'un appareil photo argentique ou d'un appareil photo plat, il vous différenciera du photographe moyen.
D'un point de vue photographique, je voudrais diviser la partie cinéaste suivante en 5 éléments :
Cadre, objectif, caméra et mouvement de la caméra, éclairage, couleur
Bien sûr, ces 5 aspects ne sont pas le seul aspect cinématographique, mais je pense que c'est l'un des critères de base qui différencie les films de style hollywoodien de la vidéo personnelle.
Les photographes mettent beaucoup d'efforts dans l'apprentissage de la composition, comme la méthode des neuf carrés, le nombre d'or, la composition en diagonale, etc... Je ne veux pas parler des bases, mais il y a effectivement des domaines dans tant de compositions qui, à mon avis, sont plus importantes pour distinguer le sens du film.
Il y a quelques points que vous devez garder à l'esprit lorsque vous prenez le viseur ---
Taille du cadre (la taille de l'image)
Lorsque vous communiquez avec le réalisateur au début du film à tourner, vous devez préciser la taille d'écran que vous souhaitez tourner. Les tailles populaires sont 1,33 : 1, communément appelé 4 * 3, 1,78 : 1, également connu sous le nom de 16 * 9, 1.85 : 1 (c'est-à-dire le soi-disant Academy, qui est populaire ces dernières années et dont le nom change chaque année) ou 235 : 1 (écran large) ou 2,40/2,39 : 1 (j'appelle écran large électronique car ils produisent 1920* 800)
La taille à choisir doit répondre aux exigences narratives de l'histoire. Bien que beaucoup de gens pensent que l'écran large est grand, mais dans de nombreuses situations narratives, l'écran large n'est pas puissant. Si votre histoire a une énorme distribution et un grand art, alors un écran large aidera votre expression ambiante. Si vous choisissez l'écran large et que votre film n'a que des murs blancs, le public de l'écran plus large s'ennuiera. À l'inverse, si votre histoire est une romance très intime, ou si vous tournez dans un endroit limité avec beaucoup de choses que vous devrez mettre hors écran, alors l'écran large n'est évidemment pas le meilleur choix. Si la taille des acteurs de votre film est très différente, il y a des personnes âgées et des enfants... Comme 1,33, qui était très populaire ces dernières années, dans l'image 1,66:1, vous pouvez facilement exprimer des images très intimes sans être trop intimidant. Compromis à cause de la taille du cadre. Bien que maintenant 1.33 soit devenu un "sens de la série télévisée".
Le choix de la taille de l'écran doit être négocié dès les premières étapes de la pré-production, avant même le story-board. Comme le film The Dark Knight (Batman, 2008), ils ont fait deux versions d'imax et 2.35 spherical, mais le réalisateur a décidé de briser la tradition et a mélangé les deux tailles d'images. Ce geste audacieux a abouti à un très beau résultat. Une fois de plus confirmé la théorie du "pas de théorème de faire des films".
Construire le cadre
Vous avez maintenant le cadre, mais que mettre dedans ? Des milliers d'articles et de tutoriels vous apprennent quoi et où mettre sur votre écran, mais lorsque vous regardez des films de style hollywoodien et des microfilms à petit budget, c'est la "profondeur de l'écran" qui est importante dans la composition. Hmm ... que diriez-vous des Chinois, cette profondeur d'écran n'est pas la profondeur de champ, mais une gamme dans les films hollywoodiens où le décor et l'environnement en arrière-plan sont délibérément définis pour que les acteurs jouent. De nombreux micro-films ont été tournés dans de très petits endroits, tels que de petites pièces, de petits magasins, etc. Au contraire, Hollywood tourne dans une grande salle, euh... C'est effectivement la production (à l'échelle du film) de gens riches et beaux, ce qui rend difficile l'imitation pour la base, mais il y a des choses qui peuvent quand même augmenter la profondeur de l'écran des micro-films de soie suspendus .
L'une des manières les plus simples et les plus simples de le faire est de ne pas placer votre sujet devant le mur. Non seulement votre maître de la lumière vous en sera reconnaissant, mais vous obtiendrez également de meilleurs angles et une meilleure profondeur tout de suite.
La deuxième méthode consiste à tirer contre le coin du mur. C'est une astuce simple et courante, et tirer contre la diagonale d'une pièce ajoutera de la profondeur à l'espace. Déplacez votre caméra vers la diagonale du mur, ou au moins voyez le coin du mur, pour rendre votre cadre instantanément plus grand.
Troisièmement, apportez la vue extérieure dans la pièce. Si vous filmez là où il y a des fenêtres, ajoutez un éclairage intérieur pour que tout le monde puisse voir à l'extérieur. Vous pouvez même prendre une capture d'écran vert et faire semblant d'être à l'extérieur. Souvent, les novices ont tendance à bloquer la fenêtre ou à faire sauter la fenêtre, mais si vous pouvez amener le paysage à l'extérieur de la fenêtre dans l'image, vous constaterez souvent que ces scènes extérieures discrètes impliquent fortement l'environnement, ce qui rend l'image très belle. et laisser la profondeur de l'image augmenter considérablement.
Quatrièmement, si vous filmez en extérieur, essayez de prendre des bâtiments emblématiques pour faire savoir au public où vous vous trouvez. Si vous êtes sur le terrain, vous pouvez mettre la maison ou le tracteur en arrière-plan. Si vous êtes dans une ville, laissez le public voir les trois rues derrière l'acteur. Ces arrière-plans n'ont pas besoin d'être nets et peuvent être flous, mais ces éléments doivent être là.
Enfin, j'aimerais parler de l'impact de la profondeur de champ sur l'écran Beaucoup, beaucoup de gens croient à tort qu'une "grande ouverture et une faible profondeur de champ" équivaut à "l'ambiance d'un film". La profondeur de champ n'est qu'un des nombreux éléments qui composent l'ambiance d'un film. Cela ne signifie pas que vous ouvrez grand l'ouverture et "wow" le sentiment du film sort. Si vous faites vraiment attention lorsque vous regardez un film, la faible profondeur de champ n'est généralement utilisée que dans deux des situations suivantes dans les films hollywoodiens :
La première est que si vous filmez un plan semi-large avec beaucoup d'informations, vous devez attirer l'attention de votre public sur quelque chose d'important. Imaginez qu'il y ait environ 20 représentations de groupe dans un café en bordure de route, puis vous avez besoin que le public remarque que notre super-héros répond au téléphone. Pour le moment, nous devons utiliser une faible profondeur de champ pour guider le public "ce qu'il faut regarder".
La deuxième utilisation de la faible profondeur de champ dans les films hollywoodiens concerne les gros plans et les plans moyens. Une faible profondeur de champ peut aider le public à se concentrer sur le contenu du dialogue.
En plus des deux points ci-dessus, les longs métrages ont déjà dépensé beaucoup d'argent pour obtenir une licence de tournage pour un lieu, et ils veulent vraiment tous les tourner pour que vous les voyiez "Regardez, cet endroit est incroyable. Regardez , écoutez, ça a coûté très cher ici. ." Ainsi, l'établissement de prises de vue doit être une grande profondeur de champ. Et le dialogue entre plusieurs personnes est aussi une grande profondeur de champ. La profondeur de champ profonde rendra vos images plus avancées, plus grandes et plus étendues. De nombreux micro-films semblent claustrophobes car la profondeur de champ n'est pas suffisante.
Par conséquent, lorsque vous regardez un blockbuster hollywoodien, pensez-y et ressentez-le, et pensez à la profondeur lors de la composition de l'image. Vous serez étonné de constater que la photo que vous prenez aura un saut qualitatif.
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