Il semble que la question posée soit comment faire en sorte que le court métrage que vous réalisez ait une ambiance cinématographique, et non pas comparer les films et les séries télévisées ? C'est une question très courte, mais la réponse nécessite une culture cinématographique complète. Aujourd'hui, commençons simplement du côté du réalisateur.
Le concept d'unité visuelle
L'unité visuelle dite est la manière d'exprimer le script écrit en mots à l'écran.
Comment décomposer le script en unités de réalisation, convertir les unités de réalisation en unités visuelles, et enfin transformer les unités visuelles en plans individuels.
Lorsque vous lisez un script et une scène, vous pouvez le faire de cent manières, dont aucune n'est absolument bonne ou absolument juste, mais il n'y a qu'une seule façon de le faire, une seule façon qui servira au mieux les besoins narratifs de votre film et reflétera votre style individuel. (Il n'y a qu'une seule manière appropriée de présenter l'histoire et de refléter votre style individuel)
Je ne vais pas développer ici. Dans le processus de prévisualisation, il existe deux façons de base de filmer des histoires.
Couverture vs. Style plan par plan
La couverture signifie filmer toutes les actions, dialogues, etc. dans une scène avec différents angles et objectifs.
Le style Shot by Shot signifie un style de tournage non standardisé, où chaque prise est soigneusement planifiée. Une scène est filmée depuis un extérieur.
Une compréhension simple est que lorsqu'on prévisualise un film sans une ambiance cinématographique, le réalisateur veut simplement indiquer comment filmer une histoire de manière complète, tandis que les plans d'un film avec une ambiance cinématographique sont soigneusement conçus pour aider à promouvoir l'histoire, et ils ont une signification indépendante.
Être cinématographique - Composition en photographie
Si vous apprenez la prise de vue et la production cinématographique, l'une des questions que beaucoup de gens posent au début est « comment donner aux choses que vous filmez une ambiance cinématographique ». La raison pour laquelle un film a une ambiance cinématographique ne réside pas seulement dans l'ingéniosité de la photographie, mais aussi dans l'art, les accessoires, la conception du langage de l'objectif, le blocage et le séquençage (performance et mouvement), les prévisualisations (prévisualisation) et la conception sonore. La coopération peut permettre d'obtenir des résultats.
(L'article suivant suppose que les lecteurs ont une certaine connaissance de base en photographie)
La première question que les gens posent souvent sur les forums de tournage est « comment faire en sorte que le tournage ait un aspect cinématographique ». Je pense qu'en termes de « sensation de film », il est nécessaire de distinguer entre les films de style Hollywood occidental et certains micro-films à petit budget.
Même si les effets coûteux des films hollywoodiens sont parfois très difficiles à reproduire avec des moyens peu coûteux, il existe des idées de tournage essentiellement simples et sans frais qui peuvent donner à votre film l'apparence d'un "film hollywoodien" ("cinématographique"). Qu'il s'agisse d'une caméra de cinéma ou d'un appareil photo plat, cela vous distinguera du photographe moyen.
D'un point de vue photographique, je voudrais diviser la partie suivante de la réalisation en 5 éléments :
Cadrage, Objectif, Caméra et Mouvement de Caméra, Éclairage, Couleur
Bien sûr, ces 5 aspects ne sont pas les seuls aspects cinématographiques, mais je pense que c'est l'un des critères de base qui différencient les films de style Hollywood des vidéos maison.
Les photographes consacrent beaucoup d'efforts à apprendre la composition, comme la méthode des neuf carrés, le point du nombre d'or, la composition diagonale, etc. Je ne veux pas parler des bases, mais il y a en effet certains aspects dans de nombreuses compositions que je pense être plus importants pour distinguer le sens du film.
Il y a quelques points à garder à l'esprit lorsque vous prenez le viseur---
Taille du cadre (la taille de l'image)
Lors de la communication avec le réalisateur au début du tournage du film, vous devez préciser la taille de l'écran que vous souhaitez filmer. Les tailles populaires sont 1,33 : 1, communément appelée 4 * 3, 1,78 : 1, également connue sous le nom de 16 * 9, 1,85 : 1 (c'est-à-dire la soi-disant Academy, qui est populaire ces dernières années, et dont le nom change chaque année) ou 2,35 : 1 (écran large) ou 2,40/2,39 : 1 (que j'appelle écran large électronique car ils sortent en 1920*800)
La taille à choisir doit répondre aux exigences narratives de l'histoire. Bien que beaucoup de gens pensent que le format large est grand, dans de nombreuses situations narratives, le format large n'est pas puissant. Si votre histoire a un grand nombre de personnages et une grande qualité artistique, alors un format large aidera votre expression d'ambiance. Si vous choisissez un format large et que votre film ne montre rien d'autre que des murs blancs, alors le public du format large s'ennuiera simplement. Inversement, si votre histoire est une romance très intime, ou si vous filmez dans un lieu limité avec beaucoup d'objets que vous devrez exclure de l'écran, alors le format large n'est évidemment pas le meilleur choix. Si la taille des acteurs dans votre film est très différente, il y a des personnes âgées et des enfants... Comme le 1.33, qui était très populaire ces dernières années, dans l'image 1.66:1 vous pouvez facilement exprimer des images très intimes sans être trop intimidant. Compromis à cause de la taille du cadre. Bien que maintenant le 1.33 soit devenu un « sens des séries télévisées ».
Le choix de la taille de l'écran doit être négocié aux premières étapes de la pré-production, même avant le storyboard. Comme dans le film The Dark Knight (Batman, 2008), ils ont réalisé deux versions, une en IMAX et une sphérique 2.35, mais le réalisateur a décidé de briser la tradition et de mélanger les deux formats d'images. Ce choix audacieux a donné un résultat très beau. Cela a une fois de plus confirmé la théorie du « pas de théorème pour faire des films ».
Construire le cadre
Maintenant que vous avez le cadre, mais que mettre dedans ? Des milliers d'articles et de tutoriels vous enseignent quoi et où placer sur votre écran, mais en regardant les films à la Hollywood et les microfilms à petit budget, c'est la « profondeur d'écran » qui est importante dans la composition. Hmm... qu'en est-il des Chinois, cette profondeur d'écran n'est pas la profondeur de champ, mais une plage dans les films hollywoodiens où le décor et l'environnement en arrière-plan sont délibérément aménagés pour que les acteurs jouent. Beaucoup de microfilms ont été tournés dans des lieux très petits, comme de petites pièces, de petits magasins, et autres. Au contraire, Hollywood tourne dans un grand espace de lieu, euh... C'est en effet la production (échelle du film) de personnes riches et élégantes, ce qui rend difficile pour les gens ordinaires d'imiter, mais il y a certaines choses qui peuvent encore augmenter la profondeur d'écran des microfilms suspendus en soie.
L'une des façons les plus simples et les plus faciles de faire cela est de ne pas placer votre sujet devant le mur. Non seulement votre maître de la lumière vous en sera reconnaissant, mais vous obtiendrez également de meilleurs angles et une meilleure profondeur immédiatement.
La deuxième méthode consiste à filmer contre l'angle du mur. C'est une astuce simple et courante, et filmer contre la diagonale d'une pièce ajoutera de la profondeur à l'espace. Déplacez votre caméra vers la diagonale du mur, ou au moins voyez l'angle du mur, pour que votre cadre paraisse instantanément plus haut.
Troisièmement, faites entrer la vue extérieure dans la pièce. Si vous filmez là où il y a des fenêtres, ajoutez un éclairage intérieur pour que tout le monde puisse voir dehors. Vous pouvez même prendre une prise sur fond vert et faire semblant d'être à l'extérieur. Souvent, les novices ont tendance à bloquer la fenêtre ou à surexposer la fenêtre, mais si vous pouvez intégrer le paysage extérieur visible par la fenêtre dans l'image, vous constaterez souvent que ces scènes extérieures discrètes suggèrent fortement l'environnement, rendant l'ouverture de l'image très belle et augmentant considérablement la profondeur de l'image.
Quatrièmement, si vous filmez en extérieur, essayez d'inclure des bâtiments emblématiques pour que le public sache où vous vous trouvez. Si vous êtes à la campagne, vous pouvez mettre la maison ou le tracteur en arrière-plan. Si vous êtes en ville, laissez le public voir les trois rues derrière l'acteur. Ces arrière-plans n'ont pas besoin d'être nets et peuvent être flous, mais ces éléments doivent être présents.
Enfin, j'aimerais parler de l'impact de la profondeur de champ sur l'écran. Beaucoup, beaucoup de gens croient à tort que « grande ouverture et faible profondeur de champ » équivaut à « sensation de film ». La profondeur de champ n'est qu'un des nombreux éléments qui composent la sensation d'un film. Cela ne signifie pas que vous ouvrez grand l'ouverture et que « wow » la sensation de film apparaît. Si vous faites vraiment attention en regardant un film, alors la faible profondeur de champ est généralement utilisée seulement dans deux des situations suivantes dans les films hollywoodiens :
Le premier point est que si vous filmez un plan semi-large avec beaucoup d'informations, vous devez diriger l'attention de votre public vers quelque chose d'important. Imaginez qu'il y ait environ 20 performances de groupe dans un café en bord de route, et que vous ayez besoin que le public remarque que notre super-héros répond au téléphone. À ce moment-là, nous devons utiliser une faible profondeur de champ pour guider le public sur "ce qu'il faut regarder".
La deuxième utilisation de la faible profondeur de champ dans les films hollywoodiens est lors du tournage de gros plans et de plans moyens. La faible profondeur de champ peut aider le public à se concentrer sur le contenu du dialogue.
En plus des deux points ci-dessus, les longs métrages ont déjà dépensé beaucoup d'argent pour obtenir une licence de tournage pour un lieu, et ils veulent vraiment tout filmer pour que vous puissiez voir « Regardez, cet endroit est incroyable. Regardez, regardez, cela a coûté beaucoup d'argent ici. » Donc, les plans d'établissement doivent avoir une grande profondeur de champ. Et les dialogues entre plusieurs personnes ont également une grande profondeur de champ. Une grande profondeur de champ rendra vos images plus sophistiquées, plus grandioses et plus vastes. Beaucoup de microfilms semblent claustrophobes parce que la profondeur de champ n'est pas suffisante.
Par conséquent, lorsque vous regardez un blockbuster hollywoodien, réfléchissez-y et ressentez-le, et pensez à la profondeur lors de la composition de l'image. Vous serez étonné que l'image que vous capturez fera un saut qualitatif.