Sembra che la domanda posta sia come rendere cinematografico il cortometraggio che realizzi, senza confrontare film e serie TV? Questa è una domanda molto breve, ma la risposta richiede una cultura cinematografica completa. Oggi, iniziamo semplicemente dal lato del regista.
Il concetto di unità visiva
La cosiddetta unità visiva è come esprimere il copione scritto in parole sullo schermo.
Come scomporre la sceneggiatura in unità di regia, convertire le unità di regia in unità visive e infine trasformare le unità visive in singole inquadrature.
Quando leggi una sceneggiatura e leggi una scena, puoi farlo in cento modi, nessuno dei quali è assolutamente buono o assolutamente giusto, ma c'è solo un modo per farlo, solo un modo che funziona meglio soddisfare le esigenze della storia del tuo film e riflettere il tuo stile individuale. (C'è solo un modo adatto per presentare la storia e riflettere il tuo stile personale)
Non lo espanderò qui. Nel processo di pre-visualizzazione, ci sono due modi fondamentali per riprendere le storie.
Copertura vs stile tiro per colpo
Copertura significa riprendere tutte le azioni, i dialoghi, ecc. in una scena con diverse angolazioni e obiettivi.
Stile ripresa per ripresa indica uno stile di ripresa non standardizzato, in cui ogni ripresa è attentamente pianificata. Una scena viene girata da fuori.
Una semplice comprensione è che quando pre-visualizza un film senza un tocco cinematografico, il regista vuole solo dire come girare una storia completamente, mentre le riprese di un film con un tocco cinematografico sono attentamente progettate per aiutare a promuovere la storia , ed esiste indipendentemente. significato.
Essere cinematografici - Composizione nella fotografia
Se impari a girare e produrre film, una delle domande che molte persone si pongono all'inizio è "come dare alle cose che giri un aspetto cinematografico". Il motivo per cui un film ha un aspetto cinematografico non è solo l'ingegnosità nella fotografia, ma anche nell'arte, negli oggetti di scena, nel design del linguaggio dell'obiettivo, nel blocco e nel sequenziamento (performance e movimento), nelle previsualizzazioni (pre-visualizzazione) e nel sound design. La cooperazione può portare a risultati.
(Il seguente articolo presuppone che i lettori abbiano una certa conoscenza di base della fotografia)
La prima domanda che le persone pongono spesso nei forum sulle riprese è "come rendere le riprese cinematografiche". Ritengo che in termini di "sensazione cinematografica" sia necessario distinguere tra film in stile Hollywood occidentale e alcuni microfilm a basso budget.
Anche se i costosi effetti dei film di Hollywood a volte sono molto difficili da replicare con alcuni mezzi a basso costo, ci sono alcune idee di ripresa fondamentalmente semplici ea costo zero che possono far sembrare il tuo film un "film di Hollywood" ("cinematografico "). Che si tratti di una fotocamera a pellicola o di una fotocamera piatta, ti renderà diverso dal fotografo medio.
Da un punto di vista fotografico, vorrei dividere la seguente parte cinematografica in 5 elementi:
Inquadratura, obiettivo, fotocamera e movimento della fotocamera, illuminazione, colore
Ovviamente questi 5 aspetti non sono l'unico aspetto cinematografico, ma penso che sia uno dei criteri di base che differenzia i film in stile hollywoodiano dall'home video.
I fotografi si impegnano molto nell'apprendimento della composizione, come il metodo dei nove quadrati, il punto del rapporto aureo, la composizione diagonale, ecc... Non voglio parlare delle basi, ma ci sono davvero alcune aree in tante composizioni che ritengo più importanti per distinguere il senso del film.
Ci sono alcune cose che devi tenere a mente quando prendi in mano il mirino:
Dimensione cornice (la dimensione dell'immagine)
Quando comunichi con il regista nella fase iniziale del film da girare, devi chiarire quale dimensione dello schermo desideri riprendere. Le dimensioni popolari sono 1,33: 1, comunemente noto come 4 * 3, 1,78: 1, noto anche come 16 * 9, 1.85 : 1 (ovvero la cosiddetta Academy, che va di moda negli ultimi anni, e il nome cambia ogni anno) o 235 : 1 (widescreen) o 2.40/2.39 : 1 (che io chiamo widescreen elettronico perché producono 1920* 800)
La dimensione da scegliere deve soddisfare i requisiti narrativi della storia. Sebbene molte persone pensino che il widescreen sia alto, ma in molte situazioni narrative il widescreen non è potente. Se la tua storia ha un cast enorme e una grande arte, allora un widescreen aiuterà la tua espressione ambientale. Se scegli il widescreen e il tuo film non ha nient'altro che pareti bianche, il pubblico dello schermo più ampio si annoierà. Al contrario, se la tua storia è una storia d'amore molto intima, o se stai girando in una location limitata con molte cose che dovrai rimandare allo schermo, allora il widescreen ovviamente non è la scelta migliore. Se l'altezza degli attori nel tuo film è molto diversa, ci sono anziani e bambini... Come 1.33, molto popolare negli ultimi anni, nell'immagine 1.66:1 puoi facilmente esprimere alcune immagini molto intime senza essere troppo intimidatorio. Compromesso a causa delle dimensioni del telaio. Anche se ora 1.33 è diventato un "senso delle serie TV".
La scelta delle dimensioni dello schermo dovrebbe essere negoziata nelle prime fasi della pre-produzione, anche prima dello story board. Come il film The Dark Knight (Batman, 2008), hanno realizzato due versioni di imax e 2.35 sferiche, ma il regista ha deciso di rompere la tradizione e ha mescolato le due dimensioni delle immagini. Questa mossa audace ha portato a un risultato molto bello. Ancora una volta confermata la teoria del "nessun teorema del fare film".
Costruire la cornice
Ora hai la cornice, ma cosa metterci dentro? Migliaia di articoli e tutorial ti insegnano cosa e dove inserire nel tuo schermo, ma quando guardi film in stile hollywoodiano e microfilm a basso budget, è la "profondità dello schermo" che è importante nella composizione. Hmm... che ne dici dei cinesi, questa profondità dello schermo non è la profondità di campo, ma una gamma nei film di Hollywood in cui l'ambientazione e l'ambiente sullo sfondo sono deliberatamente impostati per la recitazione degli attori. Molti micro-film sono stati girati in luoghi molto piccoli, come piccole stanze, piccoli negozi e simili. Al contrario, Hollywood gira in un grande spazio, uh... Questa è davvero la produzione (scala cinematografica) di persone ricche e belle, il che rende difficile da imitare per la base, ma ci sono alcune cose che possono ancora aumentare la profondità dello schermo dei micro-film di seta sospesi .
Uno dei modi più semplici e semplici per farlo è non posizionare il soggetto davanti al muro. Non solo il tuo maestro della luce ti sarà grato, ma otterrai subito angoli e profondità migliori.
Il secondo metodo è sparare contro l'angolo del muro. Questo è un semplice trucco comune e sparare contro la diagonale di una stanza aggiungerà profondità allo spazio. Sposta la fotocamera sulla diagonale del muro, o almeno guarda l'angolo del muro, per far sembrare la tua inquadratura immediatamente più alta.
Terzo, porta la vista dall'esterno nella stanza. Se stai girando dove ci sono finestre, aggiungi l'illuminazione interna in modo che tutti possano vedere fuori. Puoi persino scattare una schermata verde e fingere di essere fuori. Molte volte ai principianti piace bloccare la finestra o farla saltare in aria, ma se riesci a portare lo scenario fuori dalla finestra nell'immagine, scoprirai spesso che queste scene esterne poco appariscenti implicano fortemente l'ambiente, rendendo l'immagine aperta in modo molto bello e lasciando che la profondità dell'immagine aumenti notevolmente.
Quarto, se stai girando all'aperto, prova a prendere alcuni edifici storici per far sapere al pubblico dove ti trovi. Se sei sul campo, puoi mettere la casa o il trattore sullo sfondo. Se sei in una città, lascia che il pubblico veda le tre strade dietro l'attore. Questi sfondi non devono essere a fuoco e possono essere sfocati, ma questi elementi devono essere presenti.
Infine, vorrei parlare dell'impatto della profondità di campo sullo schermo Molte, molte persone credono erroneamente che "apertura ampia e profondità di campo ridotta" equivalgano a "sensazione cinematografica". La profondità di campo è solo uno dei tanti elementi che compongono l'atmosfera di un film. Ciò non significa che apri il diaframma completamente e "wow" viene fuori la sensazione del film. Se presti davvero attenzione quando guardi un film, la profondità di campo ridotta viene solitamente utilizzata solo in due delle seguenti situazioni nei film di Hollywood:
Il primo è che se stai girando una ripresa semi-ampia con molte informazioni, devi indirizzare l'attenzione del pubblico su qualcosa di importante. Immagina che ci siano circa 20 esibizioni di gruppo in un caffè lungo la strada, e poi hai bisogno che il pubblico noti che il nostro supereroe sta rispondendo al telefono. In questo momento, dobbiamo utilizzare una profondità di campo ridotta per guidare il pubblico su "cosa guardare".
Il secondo utilizzo della profondità di campo ridotta nei film di Hollywood è quando si riprendono primi piani e piani medi. La profondità di campo ridotta può aiutare il pubblico a concentrarsi sul contenuto del dialogo.
Oltre ai due punti precedenti, i lungometraggi hanno già speso un sacco di soldi per ottenere una licenza per le riprese di un luogo e vogliono davvero girarli tutti perché tu possa vederli "Guarda, questo posto è fantastico. Guarda , guarda, è costato un sacco di soldi qui. ." Quindi stabilire gli scatti deve essere una profonda profondità di campo. E il dialogo tra più persone è anche una profonda profondità di campo. La profonda profondità di campo renderà le tue immagini avanzate, più grandiose e più ampie. Molti micro-film sembrano claustrofobici perché la profondità di campo non è sufficiente.
Pertanto, quando guardi un blockbuster di Hollywood, pensaci e sentilo, e pensa alla profondità quando componi l'immagine. Sarai stupito che l'immagine che scatti avrà un salto di qualità.
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